La muestra está comisariada por el Grupo Centrifugarte (Alejandro Villar, Manuel Garrido y David Brieva) y trata de enfrentar dos concepciones opuestas de la fisionomía del arte actual: la objetualidad barroca y la iconografía incisiva de JARR y el  minimalismo conceptual de los trabajos audiovisuales de Jesús Azogue.

En ella, se presenta por primera vez las serie Barroco de Jarr que indaga en los las técnicas tradicionales del pan de oro y medios de expresión a partir de la iconografía post pop. También por primera vez se muestra Social Manners de Jesús Azogue, una serie de videocreaciones interactivas inspiradas en imágines pictóricas del tenebrismo y que crean un diálogo con el espectador.

La exposición incorpora la instalación interactiva e-tree, prsentada en las Nuites Blanches de Bruselas y en Metz (Francia), a través e la cual los espectadores tanto in situ como on line podrán insertar mensajes escritos en el sistema que harán crecer un árbol como una obra colectiva. Todos estos mensajes quedan como testimonio de esta acción en la cuenta twitter (http://twitter.com/e_tree)

Para más información y participar en la construcción de esta obra pueden visitar la siguiente página de internet: www.e-tree.eu

Más información:

ALEX VILLAR -  DAVID BRIEVA
centrifugarte@centrifugarte.com
GRUPO CENTRIFUGARTE . C/ Cenia 5-8 – 46001 VALENCIA

Maison d’Art Actuel des Chartreux,  Rue des Chartreux, 26-28
Brussel 1000 Bruxelles
Contact : Nancy Suarez      www.maac.be www.brucity.be
maac@brucity.be

 Se trata del único festival en Europa con estas características a excepción de un hermano pequeño en la ciudad francesa de Brive que no cuenta con la participación internacional que tiene La Cabina y está reservado únicamente films francófonos.

 Con ayuda del Aula de Cinema de la Univesitat de València, Carlos ha vuelto a volcarse en cuerpo y alma en este proyecto que comenzó pareciéndonos a sus allegados un delirio incomprensible de producción, difusión, subtitulado, patrocinio… que, con tesón y noches en vela, ha dado al fin nuevos frutos en la presente edición. Revisada y aumentada.

 Se exhibirán 12 mediometrajes (4 más que el año pasado) provinientes de Italia, Francia, Israel, Corea del Sur, España, Alemania y Reino Unido de diversos géneros, desde el policíaco hasta la comedia adolescente pasando por el fantástico. No quiero ni imaginar cómo han hecho para seleccionar 12 de los 75 mediometrajes recibidos (por cierto, 40 más que en la pasada edición).

 El jurado que decidirá el Premio al Mejor Mediometraje y el palmarés de mejor actor, mejor fotografía, director… está formado por personalidades de reconocido prestigio del mundo del cine y la cultura como son Paula de Felipe, miembro del Aula de Cinema de la Universitat de València y presidenta del jurado, Vicente Benet, profesor de la Universitat Jaume I, Santi Barrachina, miembro del IVAC-La Filmoteca y Daniel Gascó, crítico de cine de la Cartelera Levante.

 La Cabina comenzó ayer (9 de diciembre) con un catering elaborado que, aun siendo delicioso, no hizo las delicias de la concurrencia más afín a la patata cuando va en toritilla y no en espuma y en tarrina. Mientras tanto un deejay ambientaba aquello como si fuera un funeral posmoderno, varios estands de las revistas Silenci y Bostezo y de la emisora de radio Radio Gladis Palmera (patrocinador principal).

 Tras la presentación de Romà de la Calle y Carlos Madrid nos pasaron una pequeña muestra de los films que veremos hasta el domingo, haciéndonos la boca agua con mayor tino que los canapés. Buena pinta, sí señor. Además, en pago por haberse apropiado del nombre del mediometraje de Antonio Mercero, La Cabina, se rindió un pequeño homenaje al recientemente fallecido José Luis López Vázquez. Con plañideras suecas incluidas.
A modo de entrante proyectaron el mediometraje alemán
La Curva, de Felix Fuchssteiner (fuera de concurso por ser anterior al año 2006) que nos embelesó y divirtió con su esperpéntica historia que, por suerte, supo acabar en 45 minutos sin caer en el auto-onanismo más tiempo del necesario. Bravo.
La entrada a la inauguración y a la clausura es gratuita. El resto de
días el precio de la entrada es de 2 euros e incluye varios
mediometrajes. El pase a La Caza de Gollum (vete a saber por qué) es de 3.50 euros.

 Bravo, Carlos, lo has vuelto a hacer y, además, mejor. Mayor equipo de trabajo, mayor calidad, mayor difusión, mejores medios… enhorabuena.

Cent’anni!

Más información y entrevistas:
www.lacabina.es

www.lacabinafestival.blogspot.com

Director del Festival, CARLOS MADRID, 687 521 150.

En la explanada advierto otro tipo blanco-blanco. Éste escupe a borbotones un abundante chorro de agua contra la pared del museo. Me acerco y leo en la cartela algo así como “fuente. Homenaje a Bruce Nauman.” Otro texto avisa de la escultura de la azotea. Bernardí Roig! Exclamo aliviado. Excitado también.

Shadows must dance es la exposición del artista mallorquí que continúa en el interior. Allí se suceden unas 25 instalaciones que bailan entre la amabilidad del blanco y el agobio (oh paradoja!) de los espacios amplios. Son instalaciones que mezclan lo escultórico con lo dibujístico y lo sonoro y que consiguen una fuerte implicación del espectador, obligado voyeur y sobresaltado las más veces.

Prácticamente todas sus esculturas presentan tipos calvos de mediana edad (tengo entendido que son calcos de su padre y de un crítico de arte amigo) hiperrealistas, monocromos, con los ojos cerrados y siempre acompañados de esos inquietantes tubos de neón. Jugando con los espacios, los recovecos de la sala y las colocaciones poco ortodoxas. Una luz molesta, cegadora, como la ceguera blanca del maestro Borges. Una luz no pensada para iluminar sino para incordiar, para remover algo en nosotros y hacernos sentir solos, aislados, incomunicados.

La ceguera. Los ojos cerrados, la luz que lo invade todo. De tan aséptico, de tan quirofanesco resulta agobiante, asfixiante aunque con un punto ascético, celestial. La sensación que provoca en el espectador redunda sobre la idea de la incomunicación, de la ceguera, del prejuicio y del deslumbramiento. Entre la crítica al aislamiento social/cultural y la voluntad de comunicación por parte de Roig.

Algunas instalaciones tienen contenido explícito (Parental Advisory) como la que muestra a Diana siendo sodomizada por Acteón acompañada de un video en el que una mujer se introduce un vidrio cortante en la vagina o aquella en la que una escultura que suda/se derrite realmente mientras observa un dibujo en el que, de nuevo, una mujer se baja las bragas.

No sé muy bien cómo, pero entre la resina de poliéster debe haber una capa de hielo o acaso el hielo es la última capa que recubre la cabeza de la escultura. Poco importa. Perfectamente se advierten las gotas resbalando por la cabeza y el torso haciéndonos sudar a nosotros adivinando sus pensamientos impuros. Con la mujer de su prójimo.

 Shadows must dance. Bernardí Roig. Hasta el 31 de enero. Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) Valencia

Más información: www.ivam.es

 COMISIÓN EUROPEA    - EDIFICIO BERLYAMONT   - Del 14 al 24 de enero de 2010 

Coincidiendo con la Presidencia Española en el Parlamento Europeo, los artistas JARR y JESÚS AZOGUE han conseguido llevar a Bruselas una interesante exposición que analiza a través del arte el fenómeno de la CRISIS desde una mirada transcendente, creativa y positiva.

 TIPS TO GET THROUGH THE CRISIS es un proyecto de colaboración entre dos jóvenes creadores, representantes de dos concepciones opuestas pero complementarias de la fisonomía del arte actual, que pretenden reivindicar el papel de implicación del arte en la realidad. En el contexto de la CRISIS MUNDIAL el arte inspecciona su propio lenguaje y su misión en la sociedad, para devolver al hombre la conciencia de su papel central en los procesos de cambio del cambio.

 Esa indagación irónica y mítica en el poder del arte se aborda desde la investigación sobre el mundo digital de Jesús Azogue que nos adentra en una realidad virtual y paralela, opuesta a la objetualidad barroca y a la iconografía incisiva de Juan Antonio Rodríguez - JARR.  La esperanza de un mundo en plena vigencia del “Yes we can” se manifiesta en el arte que ofrece sus propias alternativas a la CRISIS: la creación de otra realidad (Azogue) o reciclar la realidad (JARR)

 La exposición es un proyecto comisariado por el crítico Alejandro Villar a través del Grupo Centrifugarte, una asociación formada por jóvenes comisarios que han emprendido esta aventura apoyados por la Fundación de la Comunidad Valenciana en Bruselas. La muestra que se presenta en el edificio Berlyamont el próximo 14 de enero es la primera de una serie de instalaciones conjuntas que los dos creadores realizarán en la capital europea durante el primer semestre de 2010.

 Para más información alex.villar@centrifugarte.com

Forman parte de esta exposición los artistas Oliver Boberg, Edward Burtynsky, Chen Chieh Jen, Octavi Comeron, Stéphane Couturier, Peter Downsbrough, Harun Farocki, Thomas Ruff y Alicia Framis. Asimismo, para su exhibición en nuestro país, la muestra se complementa con obras de dos artistas mexicanos, Damián Ortega e Idaid Rodríguez Romero, junto a nuevas obras de Liam Gillick y Atelier Van Lieshout, procedentes de la colección Charpenel-Guadalajara.
Atelier Van Lieshout (AVL) presenta el proyecto Slave City, dentro del cual se inserta la obra Model for the Call Centre (2006), podría ser descrito como una urbe en la que se materializaría una utopía siniestra: la quiebra de todos los valores de la sociedad con el objetivo de generar una ciudad totalmente autosuficiente y con enormes beneficios económicos. Oliver Boberg (Herten, Alemania, 1965) proyecta Factory Site (2002), un cortometraje que consiste en un encuadre fijo del exterior de una fábrica, de la que no sabemos el nombre, ni dónde está ubicada, ni qué produce, a pesar de terminar conteniendo todas las fábricas. Se trata de una imagen particular que se convierte en universal.

Otra visión interesante es la de Edward Burtynsky (St. Catherine’s, Ontario, Canadá, 1955) y su estudio sobre la transformación de la naturaleza por los procesos industriales. Una de las zonas del mundo que últimamente más ha investigado es China. Las diferentes series fotográficas que ha realizado le han permitido indagar en la renovación urbana de sus ciudades. Precisamente, la serie Manufacturing se refiere a este nuevo polo de crecimiento.

La representación española viene a través de Octavi Comeron (Mataró, Barcelona, España, 1965) y su instalación Blue-collar Suite No.2: Lear’s Song, toma como base el proceso de deslocalización de la producción industrial emprendido por la empresa Lear Corporation en su planta de Cervera (Lleida, España) durante el año 2002. Los elementos iconográficos, literarios, poéticos, cromáticos e informáticos se confunden y entrelazan componiendo un texto complejo sobre el trabajo que se despliega a medida que el espectador se introduce en los distintos registros de funcionamiento.

Para más información sobre las instalaciones, proyectos y obras contacten con MUSEO UNIVERSITARIO ARTE CONTEMPORÁNEO MuAC. www.muac.unam.mx Insurgentes Sur  3000 Centro Cultural Universitario Delegación Coyoacán. C.P. 04510 México D.F.
Tels.: +52 (55) 5622 69 39 y +52 (55) 5622 69 72 E-mail: difusion@muac.unam.mx

La exposición se abre con Preámbulo de ausencias: “Que también podemos interpretar como pasadizo hacia la realidad cierta que te despoja de los prejuicios que traes de la calle y te limpia lo bastante como para darte paso enseguida a una tierra de nadie. El siguiente tramo nos conduce a través de una selección de “aperos que nos hemos dado para reconstruirnos y enfrentarnos al entorno que, incorporado al propio patrimonio de carencias y limitaciones (en muchas ocasiones es uno mismo quien lo determina), nos hace tan vulnerables como arrogantes; algo que podemos apreciar en la negativa del personaje a mirarnos a la cara, fruto de una derrota que, en nuestra incapacidad de asunción de una realidad tal, atribuimos de inmediato a la más absoluta soberbia.” Un poco más adelante vemos cómo al fondo nos alumbra una luz que nos aleja de toda incertidumbre. “De primeras te relajas, porque si antes tenías dudas y miedos, ahora pasas a verlo todo claro, pero tanto que se vuelve molesto, entre brumas no es buen lugar para estar, pero empiezas a perder la seguridad sobre que fuese bueno vivir a plena luz, tal vez tanta verdad sea una farsa y se oculte bajo un brillo cegador que a más de uno pueda sentar mal”. El recorrido culmina con el vídeo ….agosto 2007…., trabajo producido por el CAAM y La Junta de Comunidades de Castilla - La Mancha, grabado en el antiguo Hospital San Martín de Las Palmas de Gran Canaria en el año 2008, basado en el poema Algo se pudre en el corazón de la hormiga de Dionisio Cañas; original en español y disponible con subtítulos en inglés, con banda sonora de José Manuel López López, de 18 minutos de duración.

….agosto 2007…. fue presentado en noviembre del 2008 en la Sala Polivalente del CAAM, para posteriormente comenzar su andadura en el mismo año en el Museo Nacional Jeu de Paume (París, Francia) y  La Nave Spacial (Sevilla, España). En el año 2009 en el Auditorio del Instituto Cervantes de París (Francia); en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España); en el Edificio de Tabacalera (Madrid, España); en el Auditorio del Instituto Cervantes de Casablanca (Marruecos); en la Université  Hassan II - Mohmmedia - Casablanca (Marruecos); en la feria de arte ArteBA’ 09 (Buenos Aires, Argentina); en Dean Project (Nueva York; USA) y en el Haus der Kulturen der Welt (Berlín, Alemania).

FUENTE: comunicacion@caam.net

FECHAS: Del 23 de octubre de 2009 al 10 de enero de 2010 LUGAR: CAAM - Sala San Antonio Abad COMISARIO: Francis Naranjo PRODUCCIÓN: CAAM, con la colaboración del Instituto Cervantes, de la Embajada de Francia en España y del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile. ITINERANCIA: Sede del Instituto Cervantes en Casablanca (abril 2010); Embajada de Francia en Madrid (enero de 2011) y el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile (marzo 2011).

Contrariamente a la idea según la cual el arte se dirige a la generalidad de los espectadores, Dora García (Valladolid 1965) se interesa por aquello que interpela a cada individuo, optando, bajo formas radicalmente conceptuales, accesibles y elegantes, por emitir mensajes singularmente codificados o superponer narrativas a la realidad que susciten una relación específica con cada uno de los visitantes.  

Las obras de Dora García hacen así claramente hincapié  en la comunicación entre el artista y su público: el arte ya no representa el mundo sino que se convierte en productor de realidades, a menudo al límite de la ficción, animándonos a experimentar con el sentido unidireccional de lo cotidiano y analizando las pautas sociales de conducta. 

¿Dónde van los personajes cuando la novela se acaba? presenta siete obras - de las cuales cuatro han sido integramente producidas por el CGAC - que nunca alcanzan a condensarse en una forma definitiva; en realidad lo que se ofrece al espectador son diversos “estados” de diferentes obras, de las que no nos es posible predecir cuál será su forma definitiva. Las piezas aquí mostradas parecen estar confabuladas para “enredar” al museo y al público ante el que se presentan en ese eterno “devenir”, “transformación” o, si se quiere, “ficcionalización”. Todas ellas parecen pretender convertir el aquí y el ahora en una serie infinita de posibilidades.  

La exposición empieza por una frase escrita sobre el muro con pan de oro : Una buena pregunta debe evitar a toda costa una respuesta (2009), una de las muchas frases que forman parte de la colección de frases de oro que la artista empezó a constituir en el 2001. Estos aforismos escritos sobre el muro con letras de oro permiten a la artista parodiar prejucios, clichés y convenciones. « La realidad es una ilusión muy persistente” (2005) o « El futuro debe de ser peligroso », (2005), son algunos ejemplos. 

Una buena pregunta debe evitar a toda costa una respuesta se adelanta en una misma pared a esa segunda frase, esta vez en letras de vinilo negro y que nos indica el título de la exposición, y con él las premisas del proyecto de la artista : ¿Dónde van los personajes cuando la novela se acaba ?  

El título de la exposición evoca, entre otras cosas, el fenómeno de la independencia de la obra con respecto al autor. “Yo no escribo mis libros, los libros se escriben solos” o “mi obra es mucho más inteligente que yo” son declaraciones frecuentes entre autores de ficción. Los personajes y los acontecimientos de una historia tienen una lógica propia, que el autor solo puede descubrir y obedecer. Así, por ejemplo, en la obra Steal This Book [Robe este libro] - realizada para la presente muestra - uno de los actores que encarnan a Charles Filch, The Beggar [El Mendigo], único protagonista de la obra The Beggar’s Opera, contribución de Dora García a Skulptur Projekte Münster 07, le espeta a la artista: “Simplemente creo que no deberíamos dejar pasar la oportunidad de transformar la obra en algo íntimo, si bien público, porque la “obra espectacular” es tan convencional. Si realmente quieres llamar la atención, podemos discutirlo, pero no deberías tener miedo a correr el riesgo de ser menos convencional.”  

Este ejemplo podría también servir como descripción de la obra de Dora García en general. Muchos de sus trabajos parecen seguir siempre una misma estructura: algo descabellado es propuesto a la realidad : un libro impreso a la inversa (Fahrenheit 451) ; un libro que pide ser robado (Steal This book) ; un observador que crea un duplicado de lo real (Instant Narrative); un personaje de ficción que conversa con un crítico de arte (Where do characters go when the story is over?). Y la realidad acepta esas incongruencias haciendo que la autora de las mismas pierda todo control sobre ellas. La propuesta, eso es todo lo que alcanza a controlar el autor.

FUENTE: NOTA DE PRENSA Centro Galego de Arte Contemporánea - CGAC
Prensa e comunicación
Rúa Ramón del Valle Inclán s/n
15704 Santiago de Compostela
981 546 632
cgac.prensa@xunta.es
www.cgac.org

 Las crujías del claustro renacentista del antiguo convento de San Vicente reciben estos proyectos expositivos que pretenden estrechar los lazos entre la moda y el arte, que salta de la pasarela al museo con total normalidad cultural.   Artists For Fashion muestra la obra creada por ocho reconocidos artistas para la carpeta de obra gráfica editada por Art On Demand, que fue presentada en el IVAM. Antonio de Felipe, Javier Calvo, Jarr, Rosa Torres, Rafael Armengol, Mavi Escamilla, Vicente Peris y Santi Tena han indagado en la temática de la moda para realizar una pieza genuina, un puente de unión entre el universo pictórico y el fenómeno estético y social de la moda. Esta mirada intensa se completa con la exposición ESPONTÁNEA INSTANTÁNEA del prestigioso fotógrafo especializado en pasarelas José Luís Abad. El artista explora las imágenes de desfiles y editoriales realizadas en la pasarela valenciana para crear un juego plástico y de significados de una fuerza expresiva impactante.

 Algemesí ha sido la ciudad elegida para acoger este interesante proyecto artístico en el que, además del Ayuntamiento de Algemesí y la Semana de la Moda de Valencia, participan diversas empresas como Art On Demand, Murviedro, Nil Comunicación o la Asociación Centrifugarte que reafirman su apoyo a la cultura para que el arte y la moda lleguen a todos los espacios y públicos de la Comunidad Valenciana.

Museu Valencià de la Festa - Nou del Convent 71 - 46680 Algemesí - tel 962018630 - museu@algemesi.net

 ’Goya, cronista de todas las guerras’ cerrará su paso por el Centro Atlántico de Arte Moderno el próximo 4 de octubre, después de lograrse una prórroga de la misma. Los aficionados al arte que aún no hayan disfrutado del diálogo que se establece entre los grabados de Goya y el fotoperiodismo de guerra surgido en el siglo XIX, están aún a tiempo de admirar una muestra donde conviven los propios grabados del visionario aragonés con fotografías que muestran los ‘desastres de la guerra contemporáneos’ que se han repetido durante todo el siglo XX.

Juan Bordes, comisario de esta exposición, ha hecho realidad un proyecto que pone de manifiesto la importancia de Goya como testigo y denunciante de las atrocidades que comete cualquiera de los bandos enzarzados en un conflicto bélico y la enorme influencia que tuvo el pintor español en el nacimiento de la fotografía de guerra desde finales del siglo XIX.

Goya, rompiendo la tradición artística europea, se aleja de la visión gloriosa o heroica de la guerra y se centra en su lado cruel, inhumano y miserable. A través de los propios grabados, se hace un recorrido por la barbarie que culmina en imágenes de fotógrafos como Eugene Smith, Centelles, Cartier-Bresson, John Burke, George N. Barnard, Robert Capa o Gervasio Sánchez. Ellos son sólo algunos de los fotógrafos cuyas imágenes se mezclan con las litografías de Goya manteniendo vivo su espíritu de denuncia y conduciendo al espectador por la crudeza de cualquier conflicto; no importa que sea la Guerra de Crimea, Cuba, la II Guerra Mundial, Sudáfrica, Vietnam o Irak.

Según comenta Bordes, responsable de esta muestra producida por el propio CAAM en colaboración con la Calcografía Nacional, las estampas de Goya contienen una anticipación de la visión fotográfica, al adelantar el lenguaje de la instantánea con recursos plásticos que anuncian la estética del fotoperiodismo y suponen un “punto de inflexión” en la guerra, cuyas imágenes hasta ese momento sólo se utilizaban para ensalzarla y no para denunciar sus horrores. Con su aparición a mediados del siglo XIX, la fotografía se convirtió en un mecanismo más de narración en imágenes, de reflexión sobre la vida de la época y, por tanto, otra herramienta de crítica contra los diferentes conflictos bélicos en los que se mezcló para ofrecer de primera mano la irracionalidad de la guerra y de sus consecuencias.

Goya, cronista de todas las guerras incluye la serie de Los Desastres, en su primera edición realizada por la Academia en 1863, y dos de sus planchas originales, un resumen audiovisual sobre la historia de la fotografía de guerra, además de una selección de imágenes del archivo fotográfico sobre la Guerra Civil Española conservado en la Biblioteca Nacional. La exposición contiene también, estampas de “Las ruinas de Zaragoza” realizadas por Fernando Bambrila y Juan Gálvez, quienes acudieron junto al artista aragonés a la invitación del general Palafox para contemplar las consecuencias del Primer Sitio por las tropas francesas a la capital aragonesa. La fusión entre aguafuertes y fotografía documental en un montaje expositivo cuyo diseño incorpora recursos audiovisuales, da coherencia a la línea de reflexión sobre la hibridación de lenguajes visuales iniciada por el CAAM, que ha mostrado recientemente las aportaciones de Josep Renau al cartel y el fotomontaje, o las propuestas de Antoni Muntadas sobre la televisión y el cine experimental.

Fuente: Gabinete de Prensa del CAAM

La exposición reúne unas 63 obras de más de 40 artistas, mayoritariamente piezas que forman parte del fondo de obra propia de Es Baluard, además de depósitos que le han sido cedidos al museo de forma temporal por parte de instituciones, empresas y coleccionistas. Paisajes cruzados. Miradas a la colección de Es Baluard cuenta con obras de Marina Abramovic, Helena Almeida, Anglada Camarasa, Miquel Barceló, Per Barclay, Boltanski, Joan Ramon Bonet, Broto, Campano, Ramon Canet, Pepe Cañabate, Maria Carbonero, Anthony Caro, Toni Catany, Ñaco Fabré, Alberto García-Alix, Antoni Gelabert, Luis Gordillo, Alfredo Jaar, Pierre Gonnord, Kiefer, Imi Knoebel, Jason Martin, Joaquim Mir, Joan Morey, José María Sicilia, Joaquín Sorolla o Juan Uslé, entre otros.

Paisajes cruzados. Miradas a la colección de Es Baluard deja de lado el conocimiento lineal y se abstrae de toda cronología para presentar una nueva visión de la colección permanente de Es Baluard, una selección de la colección dividida en tres ámbitos en cada uno de los que se remarca la convivencia y el diálogo entre posturas artísticas que, en principio, pueden parecer divergentes o cuando menos distanciadas. Contraposiciones o distancias en el tiempo, entre el pasado y el presente, en las actitudes ante la obra o en la observación social se encuentran en “Modernismo y Postmodernidad”, “Poética y Construcción” y “Individuo y Colectividad”, tres ámbitos de líneas cruzadas y, a la vez, tres ámbitos abundantes en puntos de confluencia o puntos de encuentro en las intersecciones.

“Modernismo y Posmodernidad” se inicia con la renovación del paisajismo que, en España, emprendieron sobre todo los pintores del área catalana en los primeros años del siglo XX, con Mallorca como destino artístico preferente. Se imponía el modernismo en la pintura y con él llegaba también una nueva manera de observar la naturaleza o de escucharla, como la escucha un músico o un poeta, como afirmaba el escritor Miquel dels Sants Oliver. Joaquim Mir, Anglada-Camarasa, Sorolla, Tito Cittadini y el mallorquín Antoni Gelabert son figuras destacadas de esa libertad interpretativa del paisaje, que hasta entonces era desconocida por estas tierras. A pesar de la distancia de casi un siglo, ya muy atrás el modernismo e incluso, según se dice, ya pasada la modernidad, entrados en la postmodernidad se pueden encontrar ciertas coincidencias entre algunos artistas actuales de la colección de Es Baluard que

también escuchan la naturaleza y aquellos predecesores modernistas. Por ejemplo, en el alemán Anselm Kiefer y el mallorquín Miquel Barceló, aunque su obra vaya mucho más allá de la naturaleza que representan, en cuyas pinturas los volúmenes también toman peso, la pincelada también toma cuerpo y el trabajo de la materia contribuye a hacer más expresiva la obra. El paisajismo como tendencia innovadora a inicios del siglo XX, la incorporación de la naturaleza en la pintura como práctica a contracorriente al llegar al siglo XXI, dos líneas de caminos alejados pero que establecen un sugerente diálogo en su confrontación.

“Poética y Construcción” parte de la poética aquella expresión que fluye de manera casi espontánea desde el interior. Entendamos como construcción aquel discurso que se articula a través del pensamiento, desde la razón, y que después puede interiorizarse para conducirlo hacia el espíritu. Actitudes del artista ante la obra, procesos de creación diversos que, en todo caso, no se excluyen. A pesar de la fluidez y la espontaneidad del gesto, las obras de Broto, de Jason Martin, de Jim Bird, de Ñaco Fabré pasan por un proceso de estructuración consciente. Las geometrías de Campano, de Ramon Canet, de la obra más reciente de Imi Knoebel e incluso la linealidad de Juan Uslé dejan una parte de su resolución al azar y a las emociones.

Finalmente, en “Individuo y Colectividad” las miradas se cruzan al observar los mundos singulares y plurales al tiempo. La persona como individualidad y la colectividad como concepto de lo plural son, en principio, antónimos. Pero individuo y colectividad hablan indistintamente y de manera invariable uno de la otra a través de las obras de la colección permanente de Es Baluard de Lida Abdul, Marina Abramovic, Helena Almeida, Per Barclay, Christian Boltanski, Joan-Ramon Bonet, Pepe Cañabate, Maria Carbonero, Toni Catany, Alberto García-Alix, Pierre Gonnord, Dionisio González, Alfredo Jaar, Tadashi Kawamata, Anselm Kiefer y Joan Morey. En todas ellas, las experiencias particulares plasmadas reflejan fenómenos colectivos, hablan de la miseria y de la abundancia, de la guerra y de las razas, del sexo y del deseo en soledad, de la enfermedad, del conocimiento y de la ignorancia, de los ritos privados y de las manifestaciones populares. Y, de la misma forma, en toda historia de una colectividad se hacen visibles o se pueden sentir las historias individuales de quienes la integran.

Fuente: exitmail

Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma
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