Un jurado de excepción ha sido el encargado de realizar la selección de las 20 obras que constituyen la exposición que se puede visitar hasta el próximo 5 de febrero en la Sala d’Exposicions Municipal del Casino Liberal, elegidas entre las 144 obras presentadas a concurso desde diversos lugares de España y por artistas de Portugal, Marruecos, Inglaterra, Brasil, Polonia y Rusia.

Ese impulso internacional del premio ha sido el aspecto destacado por el Jurado formado por Rosina Gómez-Baeza, directora de Arco durante de dos décadas, el catedrático y comisario Francisco Javier Pérez Rojas, el crítico de arte y decano de cultura de la Facultat de Belles Arts de València, Ricardo Forriols y los pintores, Esteve Adam y Pellicer Pla.

Los dos accésit han correspondido al prestigioso pintor Juan Cuellar, por su grafito sobre lienzo titulado El juego de rol y al joven pintor Pablo Lambertos, por su abstracción multicromática sobre metacrilato perteneciente a la serie Raíces. Otros artistas destacados entre los seleccionados son Cuqui Guillén, Sofía Armengol, Carmen Pastrana, Daniel Galván, Daniel González o Javier Palacios.

Todos ellos constituyen, como señala el concejal de cultura Gabriel Palop, “una gratificante prueba del gran momento de la vida artística española, con la presencia de artistas de diversas nacionalidades y múltiples caminos de evolución de la pintura, que deben recibir el apoyo de la sociedad y de las instituciones como un importante sector de las llamadas  industrias culturales”.

Inocencio X de Velázquez, el Guernica de Picasso, la carne diseccionada de Bacon, las calaveras de Hirts o el bosque Alpino del Equipo Crónica le sirven a JARR para dar forma a su indagación sobre la historia y el ser.  Su técnica diversa en soportes y procedimientos se reafirma ahora en los medios tradicionales del dibujo y la pintura descubriéndonos una pasión por el realismo y la imagen Pop que aborda con una factura precisa, lejos de la gestualidad y expresionismos habituales en sus series precedentes. Y abierto a la novedad, los fondos de pan de oro se convierten en frondosos paisajes, que nos remiten a una naturaleza rousseauniana, una nueva Arcadia en la que los animales, sus símbolos habituales del pajarito, el tigre o Bambi, viven en armonía lejos de la acción perturbadora del hombre.

Estas nuevas obras que se presentarán en próximamente en la Galería Val i 30 de Valencia y en el Museo de Pedralbes nos ofrecen la apuesta pictórica más sólida de JARR con la que prepara su nueva itinerancia internacional.

La vocación matemática y científica del artista le ha llevado siempre a investigar sobre las correlaciones lógicas del paisaje fragmentado a partir de la aplicación de la proporción áurea a sus inconfundibles trípticos, que mantienen sorprendentemente la coherencia visual, en cualquiera de sus variaciones posibles.

En los textos que acompañan la exposición, destacan las palabras del historiador y crítico de arte Juan Antonio Ramírez,  que define la ponderación del formato “cuadrado” de sus obras como “módulo repetitivo que nos lleva al universo, también “anestesiado”, del minimalismo. Así mismo apunta cómo García Cano supera la distinción entre figuración y abstracción mediante “alejamiento respecto al asunto y la sensación de su acortamiento vertiginoso (ese extraño efecto de zoom)”.

El artista sigue desarrollando esa tendencia numérica y su factura precisa a la que añade ahora impresionantes soplos de neblina, transparencias y veladuras que enturbian la mirada, en un efecto visual de trampantojo. Se trata de una especie de “ultrarrealismo” que prolonga la intensidad emotiva y aérea de la serie El Silencio con el impacto magicista de las obras de la serie Agua, ahondando en la esencialidad de un paisaje reducido a la captación sensorial de los elementos.

Con esta exposición García Cano se postula como uno de los pintores más sólidos del panorama artístico nacional que apuestan por la exploración del paisaje como una tendencia del arte contemporáneo que valora la Naturaleza como espacio físico y lugar, desde la pintura, la fotografía o el ecoarte.

Bajo esa línea argumental nace el espectáculo inédito en Valencia “Metamorphosis” que, mediante la novedosa técnica de proyección 3D Mapping, da vida a la fachada del MUVIM para contarnos a través de imágenes y música una historia sobre la Naturaleza que une las nuevas tecnologías, el arte y la defensa de la ecología en un marco museográfico sin precedentes.

Más de 100.000 lúmenes con proyectores de alta potencia y una novedosa infraestructura tecnológica está al servicio de esta producción audiovisual mapping 3D, que han podido contemplar ya centenares de valencianos en la explanada del MUVIM. Este fantástico show-audiovisual nos propone un viaje en el tiempo y en el espacio, un recorrido a través de los elementos Agua, Fuego, Aire y Tierra. La fachada del Museo se descompone virtualmente y cobra vida mostrándonos algunas imágenes inspiradas en la exposición En-Arborar!, como dibujos de Cavanilles, Simón de Rojas Clemente o algunas de las fotografías recopiladas por Rafael Janini. En su conjunto se trata de una serie de metamorfosis, de imágenes mágicas y símbolos legendarios basados en el árbol que nos instan a la conservación de la Naturaleza y del Paisaje como testimonio artístico y monumental.

Este evento sin precedentes en Valencia es una de las actividades divulgativas de la magnífica exposición “En-Arborar! Árboles monumentales y paisajes arbolados de la provincia de Valencia”, que hasta el próximo 1 de abril de 2012 se puede visitar en el MUVIM.

Más información en http://es-es.facebook.com/elMuVIM

www.muvim.es

La muestra, comisariada por Alejandro Villar, se compone de una selección de 20 fotografías del artista Toni Ródenas que basa sus proyectos en el viaje como experiencia vital y solidaria a países de Oriente, que explora desde una visión humana y profunda para establecer un verdadero puente entre las culturas. Se trata de un ejercicio de la fotografía documental y artística que trata de descubrir la esencia de los pueblos y sus costumbres huyendo de los estereotipos y del romanticismo de lo exótico, para hallar también los puntos de encuentro entre las civilizaciones.

El claustro recopila en 20 imágenes los viajes realizados entre 2006 y 2011 a Vietnam, Laos, Thailandia, Myanmar (Birmania), India, Marruecos y Camboya en las que demuestra su fascinación por el color, los efectos pictóricos y la poética de una instantánea casi mágica por el tratamiento de la luz que otorga una atmósfera táctil.

La fuerza estética de sus fotografías se completa con una labor solidaria que inicia en 2008, cuando a su condición de explorador, desarrollada en su web www.conmochila.com, se suma la misión de dar a conocer la labor de ONG’s españolas en el mundo. Su obra adquiere una función de crónica de la realidad que no se recrea en la problemática sino en la naturaleza solidaria del hombre y en el trabajo por el desarrollo. En ese punto Ródenas encuentra su verdadero estilo que busca la belleza en contextos desfavorables y situaciones de emergencia.

Con esta exposición se abre la IV Semana Intercultural de Algemesí que tiene como objetivo fomentar los valores positivos de la convivencia y la interculturalidad a través de actividades artísticas y culturales.

Toni Ródenas. Altra gent, altres mons? Museu Valencià de la Festa · C/ Nou del Convent 71 · Algemesí · Organiza: Ayuntamiento de Algemesí · Comisario: Alejandro Villar · Colabora: Bodegas Murviedro

Una vez más UNICEF ha convocado a una selección de grandes nombres del arte contemporáneo en Valencia para recaudar fondos y mover conciencias sobre la situación extrema de la vida en África. UNICEF trabaja en todas las áreas que salvan vidas en el cuerno de África y en todos los países afectados por esta emergencia, que está poniendo en riesgo a 13,3 millones de personas en Somalia, Kenia, Etiopía y Yibuti. Además es la agencia líder del grupo de nutrición en emergencias según fuentes oficiales

El arte se suma a esta causa mediante la organización de una exposición en el mítico club CHASTON de Ruzafa con la participación de 26 artistas como Gabriel Alonso, Toño Barreiro, Sergio Barrera, Águeda Caballero, Alberto Carrere, Carlos Domingo, Javier Claramunt, Vicente Colom, Antonio Cucala, Mavi Escamilla, Pepe Galindo, Cuqui Guillén, a la sazón coordinadora de la muestra, Oliver Johnson, El Bandolero Lacabra, Inma Liñana, Chema López, Chema de Luemo, Rosa Matínez-Artero, Geles Mit, José Morea, Juan Olivares, María Ortega, José Saborit, Mery Sales, Deva Sand y Santi Tena.

Hasta el próximo 3 de diciembre, los amantes del arte, coleccionistas o personas solidarias pueden realizar la compra de las obras expuestas en este sugerente espacio de Ruzafa que donará el 70 % de la recaudación a UNICEF.

SALA D’EXPOSICIONS MUNICIPAL • CASINO LLIBERAL · 46680 ALGEMESÍ ·  Comisario: Alejandro Villar · Patrocina: Ayuntamiento de Algemesí, Pinturas JC Forner, Fotografía Óscar Chambó | Vicente Alamar, bodegas Murviedo · 14.10.11 > 25.11.11.

El movimiento rotatorio de la cultura nos trae y nos lleva a territorios indecisos entre pasado y presente, donde se cobijan las modas y se fraguan las últimas tendencias. Y en un pispás, hastiados de la quirúrgica esfera minimalista, diseñada por arquitectos sin biblioteca, saltamos llenos de resignado optimismo de lo retro a lo trendy, huyendo del caos que nos subyuga. Decididamente, revistas, blogs, flashes y las biblias de la moda se rinden ante los ochenta; lo confirma el mundo mundial: todos somos arte, todos somos pop.

Pero, con perdón de las reinas y divas que se reinventan al abrigo de estos tiempos, la obra de Cuqui Guillén es mucho más que moda, es Super Pop: no sólo es un capítulo determinante en el estudio de la estética pop en España, sino que es parte fundamental de la historia de la pintura valenciana de las últimas décadas. Comienza a ganar el trono cuando, siendo todavía estudiante de Bellas Artes, funda junto a Carmen Roig el mítico Equipo Límite que a lo largo de 15 frenéticos años arrasan la escena nacional como abanderadas del neokitsch, perturbando miradas y conciencias con la fusión de imágenes populares y figuras eróticas. La ironía y el surrealismo se combinan sagazmente con la iconografía bizarre y elaboran una crítica social multicromática y persuasiva como parte de un activismo feminista.

Es aquí donde se establece un puente de conexión con dos claros antecedentes, el Equipo Crónica y el Equipo Realidad, precursores del pop art a través de un lenguaje figurativo-crítico-popular al servicio de la sociedad. Progresivamente las Límite pasaron de la condición de bichos raros a la de perpetuadoras de los valores del pop junto a nombres como Dis Berlin, Juan Ugalde o Patricia Gadea.

Pero la identidad de Cuqui Guillén como pintora crece y comienza a reclamar un terreno más intimista, empañado de recuerdos y sentimientos que afloran de forma simultánea a partir del estudio directo de las grandes obras de arte o de la mirada nostálgica del cine y la publicidad de los años veinte y cincuenta. Su pasión innata por el dibujo le exige un mayor rigor en el realismo, lo cual, a la hora de trasladarlo al óleo, se traduce en una búsqueda de efectos de hiperrealidad que en determinados momentos viran hacia el fotorrealismo. Para ello, su pincelada se torna cada vez más fresca, precisa y sutil al mismo tiempo, mediante finas capas de pintura proclives a la veladura y a la transparencia, que se abren a un mundo de luz, claridad y pureza en el uso de colores vivos.

Ese optimismo se hace mucho más ostensible en su última serie marcada por la experiencia de la maternidad que la motiva a retornar a la niñez, al juego, a la inocencia, a la ternura: las muñecas y los juguetes bailan la sintonía pegadiza de la publicidad de los cosméticos de Avon o el flan Royal que evocan el recuerdo y nos transportan a momentos concretos de nuestra infancia. Pero esa introspección afecta también a su reflexión sobre la identidad de la mujer que evoluciona hacia una visión más íntima e identificativa con el matriarcado de su universo familiar.

En estas obras rescata el paisaje en el que denota su formación clasicista y la perfecta asimilación de los recursos de maestros postimpresionistas como los parajes puros e idílicos de Matisse o Gaugin. Pero, de todos los autores de su museo imaginario al cual acude para realizar sus peculiares homenajes, destacamos, ante todo, las figuras de dos claros referentes: Josep Renau y Eduardo Arroyo. Ciertamente, sus composiciones se conciben a modo de fotomontajes pintados que dan un paso más en el procedimiento del collage de sus obras iniciales y que miran hacia un surrealismo perturbador de clara procedencia renauniana al que se suma la fascinación por las imágenes, fetiches y colores de Arroyo.

Todo ello va definiendo una identidad compleja en la que interviene otro elemento crucial en la definición de la estética Super Pop de Cuqui Guillén: el cartelismo de guerra. Su investigación se remonta a los carteles soviéticos, republicanos e incluso fascistas, de donde proceden el sintetismo y las geometrías que aparecen como telón de fondo de muchos de sus cuadros.

Y desde esa visión consciente de la Historia, Cuqui Guillén elabora su propio mundo en el que habitan actitudes postmodernas basadas en la pasión por el objeto popular, en el coleccionismo de recuerdos, fragmentos de realidad y del pasado rescatados a través de una vida. Es la artista fetichista que almacena auténticas joyas de la baja cultura que pasan a formar parte de su iconografía en función del mandato creativo, que la consagran como una reina del pop art.

 El recorrido se completa con la impresionante instalación Algoritmi Dixit, 250 metros cuadrados de pintura que visten por completo los arcos del patio gótico del Centro del Carme. Con ella, Basso nos descubre un nuevo concepto de pintura expansiva y monumental que ha viajado a diversos países de Oriente Medio, a través de un reciente proyecto de la SEACEX en colaboración con el Instituto Cervantes, cubriendo los patios, museos y caravasares de Siria, Jordania, Egipto o Túnez, y que contó con la colaboración de la Xunta de Galicia en su última exposición en el Hall des Pas Perdus del Palais des Nations, sede de la ONU en Ginebra.

La exposición organizada por la Generalitat Valenciana en colaboración con la Xunta de Galicia después de su estancia en el Centre del Carme viajará al Museo de Pontevedra y al CCEBA de Buenos Aires (Argentina).

A través de 28 pinturas y 82 dibujos exploramos las diversas series con las que CIRIA asienta un lenguaje pictórico basado en la emoción pura a partir de tres temas fundamentales: tiempo, memoria y experiencia.

La necesidad de experimentación técnica le ha llevado al uso de diversos soportes, materiales y procedimientos aparentemente paradójicos con los que trata de transgredir la disyuntiva histórica «figuración/abstracción». Por ello, a pesar de definirse como un pintor netamente abstracto, no renuncia a recursos iconográficos procedentes de la fotografía, de la realidad o de formas arquetípicas como la cabeza o la máscara, así como al uso de la geometría y el gesto, el orden y la expansión del color.

Entre las diversas series y composiciones personales, la exposición, comisariada por Kara Vander Weg, exhibe un amplio repertorio de series: Máscaras Schandenmaske, una de sus señas de identidad visual, La Guardia Place, Doodles, Memoria Abstracta o la serie Cabezas de Rorschach, en las que se invierte el proceso de proyección psicológica y son las propias figuras las que exteriorizan sus emociones ocultas al observar la realidad.

En este sentido, la obra de CIRIA ha ejercido un cambio de estilo y de inquietudes desde que fijara su residencia en 2005 en Nueva York, manifestando una mayor implicación en la realidad y una acción crítica-expresiva más contundente. Siente la necesidad de abordar el espacio público a partir de acciones y performances urbanas o hacer suya la esencia del graffiti, tal y como visualizamos en algunas de sus pinturas.

La escena neoyorkina también le ofrece un punto de contención y de concreción figurativa en su serie Post- Supremática, un homenaje a la última etapa de Malevich, recuperando un estilo que ya inició Ciria en los ochenta. En ellos la tensión formal dinámica del gesto, la figura y la geometría le conducen de nuevo a abordar la disolución de límites entre la abstracción geométrica y el expresionismo abstracto.    

CIRIA «Conceptos Opuestos 2001-2011»  IVAM  C/ Guillem de Castro 118, 46003 Valencia

Las obras de Andrea Gussi exploran la feminidad desde distintos enfoques como la sexualidad, los roles de género y sobre todo la violencia contra las mujeres. Pinturas, esculturas e instalaciones que, a través de la sensualidad de la materia y la contundencia de la imagen, presentan sugerentes metáforas alusivas a esa violencia: las ataduras, las costuras, los remiendos. En su instalación “El grito de Dolores” desgrana, a través de la imagen fotográfica, la dualidad de la sociedad mexicana impregnada a partes iguales de belleza y violencia. Para ello ha recopilado en una encomiable labor archivística más de trescientas fotografías con las que realiza un enorme políptico que forma la frase festiva “¡Viva México!” y el rostro cadavérico de Coatlicue, diosa de la mitología azteca de la tierra y de la muerte.

La exposición, comisariada por Manuel Garrido Barberá, muestra por primera vez la instalación El grito de Dolores coincidiendo con la celebración homónima que recuerda el inicio de la guerra de la Independencia de México el 16 de septiembre de 1810 en Dolores Hidalgo, Guanajuato. Un trabajo con el que la artista trata de resarcir a las víctimas y generar un debate crítico en sus contemporáneos de dentro y fuera de México denunciando la falta de investigación y el abandono de las víctimas. En palabras de Gussi: “un grito de esperanza de un pueblo desesperanzado”.

La inauguración, el jueves 15 de septiembre a las 20:00 horas en la sala La Minúscula de Valencia, contará con la actuación del dj mexicano Diego Rodríguez y acabará a medianoche con la celebración del grito de Dolores.

El grito de Dolores
Del 15 al 20 de septiembre
Andrea Gussi
www.andreagussi.com
La Minúscula A. C. Calle Villena, 13.
46001, Valencia.
www.laminuscula.es