What's on Art España

FIASCO. Lo nuevo de Juan José Martín en Galería Aural

Alejandro Villar — Mon, 28 Jun 2010 08:32:44 +0000

El Oasis - JUAN JOSÉ MARTÍN
En la investigación habitual sobre obras, artistas y tendencias del arte actual, encontramos, como en la viña del Señor, todo tipo de uvas cuya cosecha y posterior maduración dará lugar a caldos para todos los gustos y bolsillos. Variedad, abanico amplio de posibilidades, guiños a la Historia, jovenes talentos y eternas promesas que tal día como hoy, al igual que ayer y antes de ayer, siguen apostando por el mañana y causando sopoooor… Y es que la obsesión por el mercado y el enfoque desvirtuado del concepto y valor de lo artísico nos ha convertido en una especie de proxenetas al servicio de la nueva tiranía institucional. Y no va esto de moralina, porque quien esté libre de pecado que tire la primera piedra…

A pesar de todo, ante este peculiar espejo de Dorian Gray existe gente íntegra que no ha desvirtuado la implicación del arte en la realidad como un instrumento panfletario cambiante, con significado de primerios auxilios sólo apto para principiantes. Entre tanta apariencia hay artistas que son “oasis” en los que uno desacansa satisfecho de pensar que, aunque desgraciadamente uno no siempre puede dar un puñetazo sobre la mesa, otros artistas manienen viva la esencia analíticia y crítica sobre nuestra realidad política y social.

Uno de estos “oasis” es Juan José Martín cuya acción artística como gestor de Otro Espacio (Mislata) y como creador mismo siempre nos ofrece una genuina visión del “qué” sin olvidar el “cómo”. Su mirada a la realidad, a los acontecimientos políticos y sus imbricación en grandes fenómenos como los media, la transformación de los códigos de la imagen… todo ese análisis sobre lo que acontece se aborda desde la coherencia de un medio que fusiona el valor tradicional del dibujo, con las artes gráficas y el diseño mediante procedimientos digitales no seriados.

FIASCO (Covers, Headers and Advertisements), recoge el trabajo realizado por Juan José Martín en los dos últimos años. Éste se centra en la apropiación y copia mimética de titulares de periódicos, portadas de cómics, libros, revistas, anuncios y elementos gráficos de comunicación impresa, que tienen como nexo enunciados en torno a temas de contenido político y bélico.

La exposición se divide en dos partes: en la planta principal se encuentra la serie “Fiasco” formada por una intervención mural y varios dibujos a lápiz, copias, casi réplicas a mayor escala, de los títulos de libros, ensayos y publicaciones en torno al contexto internacional de la primera década del s.XXI. Esta alteración de escala en el enunciado, acompañado de la omisión de cualquier referencia al medio del que proviene, provoca en el espectador un cambio en la manera de recibir, percibir y conceptualizar el mensaje, eliminando de modo natural la carga de reflexión propia del canal gráfico del que proviene originariamente.
En la planta inferior de la galería, la serie “Ruler of Darkness”, muestra portadas de cómics y libros norteamericanos de los años 60 y 70, en los que se hace un claro alegato al anticomunismo y a la guerra fría por parte del estado y grupos de poder, dirigidos a ciertos sectores de población.

Las dos series reflexionan acerca de la cantidad de información, mensajes y gráficos producida por la sociedad actual, a su rápida caducidad en un breve espacio de tiempo, como fórmula generada para cambiar de traje al mismo discurso y sus intenciones, así como las consecuencias que estos pueden generar en el futuro colectivo.

FIASCO
(Headers, Covers & Advertisements)
Juan José Martín Andrés
www.juanjosemartin.com

GALERÍA AURAL
Labradores 17 / 03002 / Alicante
+34 965218024 / +34 617050603

galeriaural@gmail.com
www.auralgaleria.com

Del 3 de julio al 3 de septiembre de 2010.
Horario: de martes a viernes de 11 a 14h y de martes a sábado de 18 a 21h.

Pablo Noguera traslada su lenguaje asbtracto a las Bodegas Riojanas

Alejandro Villar — Wed, 23 Jun 2010 07:39:55 +0000

Aunque no esté de moda el existencialismo y menos aún el arte por el arte, existe una generación de autores que desde la revisión personal de los orígenes de la abstracción sitúan el sentir de la pintura en una posición de relevancia en los escaparates del arte.
Uno de esos pintores es Pablo Noguera. Constancia, sinceridad y tradición son tres principios fundamentales en la presentación de este pintor, que vive la pintura desde una profunda convicción de trabajo e investigación, más allá de otros factores y ruidos que contaminan las verdaderas vocaciones. Y para no enturbiarse en su amplio universo de referencias prefiere ahondar en la esencia de las cosas más que en las interpretaciones hechas por otros. Y digo esto porque sus manchas son más deudoras del conocimiento exacto del origen y formación de los pigmentos que de los trazos de Pollock o Sorolla, pintores a los que admira y que residen en su paleta y en su retina. Y es que la tradición, entendida como cocina pictórica se respira en su estudio: en los volúmenes de su biblioteca, en la atmósfera, en los pigmentos en polvo, en las lacas y colas para elaborar de forma artesanal el color, como si en ese proceso manual consiguiera una mayor fusión de sí mismo con la materia, y ser así mucho más sincero.

Desde esas premisas Noguera realiza su peculiar viaje de descubrimientos a partir de los recursos que la modernidad a puesto a su disposición como un valioso legado que el artista ejecuta con total libertad y responsabilidad creativa. Así pues su accionismo, su movimiento gestual no es un espectáculo performativo sino la consecuencia de una lógica en la aplicación del azar controlado que sitúa al artista entre el automatismo y la racionalidad. Y es que no es pintor desenfrenado que se entregue al trance de plasmar paisajes telúricos de su alma, si que se sitúa en el justo medio de ambos polos y entiende la pintura como proceso gestual y racional para explorar libremente la Naturaleza. Y decimos Naturaleza y no realidad porque su indagación abstracta tiende a la esencia de las cosas y, si asumimos como cierta una remota referencia ésta debe ser a los elementos básicos, agua, aire, fuego y tierra y a los sentimientos primarios que de ellos se derivan: calor, humedad, frío, pasión, alegría… Estas impresiones vienen reforzadas por la intensidad de sus gestos que nos pueden expresar una fuerza expansiva, centrífuga o centrípeta, a partir de las diversas técnicas de aplicación del pigmento como el dripping o goteo, pouring o chorretón, y otros procedimientos derivados del action painting.

Pero más allá de las formas de ejecución que hacen de la superficie pictórica una realidad orográfica de capas y capas de pigmentos, de estratos, materias y texturas, la pintura de Noguera destaca por el meticuloso estudio del color que casi como hicieran en su tiempo las pinturas monócromas de Yves Klein, consigue comunicar sensaciones y ciertos estados del alma a partir de gamas de una misma tonalidad, pero sin increpar al espectador de cómo debe ser o comportarse. (Recordemos que el lema es siempre la libertad: de ejecución, de percepción y de interpretación).

La última de sus libertades nos lleva a La Rioja, donde la fusión de la abstracción nos lleva a un mundo de sensaciones, sabores y colores del vino y de su tierra. Un sabio maridaje que ha supuesto un reto para el artista al dotar de un nuevo contexto a su obra que cada día adquiere una mayor identidad en el contexto del arte actual.

BODEGAS RIOJANAS (Junio - Julio 2010) PABLO NOGUERA. Lenguaje abstracto del vino y la viña (mas info en www.pablonoguera.com)

GRÀFIC. El latigazo del dibujo de la Sala a la Red

Alejandro Villar — Wed, 23 Jun 2010 07:01:48 +0000

La “Colección DKV Arte y Salud” llega a Algemesí a través de la exposición GRÀFIC, que revisa el valor del dibujo en el contexto de la creación actual mediante la obra de 18 artistas, nombres clave del panorama artístico nacional. Esta colección que podrá ser visitada hasta el próximo 9 de julio en la Sala d’Exposicions Municipal d’Algemesí, ubicada en el emblemático Casino Liberal, está comisariada por Alicia Ventura y cuenta con el asesoramiento para adquisiciones de Juan Manuel Bonet y Juan Bautista Peiró, vicerrector de la Universitat Politècnica de València.
La muestra refleja distintas visiones conceptuales del mundo del dibujo. Mediante el uso de esta técnica, se transmite al visitante su sencillez frente a un mundo repleto de artificio, su poderosa capacidad evocadora, su claridad, su nobleza y su realidad como conclusión en sí misma frente a su teórico carácter de recurso intermedio o de iniciación. Estas acepciones del dibujo podemos verlas en la obra de Antonio Alcaraz, Ximo Amigó, Aurelio Ayela, Toño Barreiro, Sergio Barrera, Ernesto Casero, Juan Cuellar, Carlos Domingo, Chema López, Moisés Mahiques, Joel Mëstre, Regina de Miguel, Roberto Mollá, Nico Munuera, Juan Olivares, María Ortega, Ramon Roig, Javier Velasco.
Para Alicia Ventura, comisaria de la muestra, “Gràfic intenta ser un paraguas donde se define el dibujo en su concepto más amplio; plantea las contradicciones y los cambios de uso dentro de la teoría del arte y sus prácticas, un pequeño análisis de la complejidad del proceso de representación”
Como ha señalado el Director Territorial Levante de DKV Seguros “esta colección DKV Arte y Salud, a la que pertenecen las obras de la exposición GRÀFIC, se encuentra cedida temporalmente al Hospital de Dénia donde DKV Seguros desarrolla diversas acciones y proyectos culturales en busca de la interacción de la creación contemporánea y la salud, uniendo el arte al bienestar del hombre.”
Por todo ello, la exposición GRÀFIC constituye una muestra genuina en concepto y finalidad y aporta una nueva visión de la plástica contemporánea a partir del dibujo, entendido como estudio, boceto, proceso u obra en sí misma. La muestra ha sido ya expuesta en importantes sala e instituciones como la UPV, Universitat Jaume I, Universidad de Elche, Ayuntamiento de Murcia, etc. y en estos momentos se encuentra en trámites para su exhibición en el Instituto Cervantes de Roma.
Como ha indicado el Alcalde de Algemesí, Vicent Ramón García Mont, “con esta exposición DKV Seguros y el Ayuntamiento de Algemesí inician una serie de colaboraciones que traerán a la ciudad exposiciones de jóvenes creadores con el fin de dar a conocer los proyectos culturales de esta empresa.”
GRAFIC: ARTE Y REDES SOCIALES
La comunicación de la exposición a cargo del Grupo Centrifugarte presenta interesantes novedades que ponen en práctica con GRÀFIC diversas estrategias de promoción cultural en la Red. Para ello, Centrifugarte ha realizado una inmersión completa en el entorno Web 2.0 a través de la creación de una Red Social exclusiva en la plataforma Ning para esta exposición que multiplica los canales de difusión y promueve la participación activa. En palabras de David Brieva “otras opciones, los internautas podrán votar su obra favorita, crear temas de discusión y participar en su foro, leer sobre la exposición y opinar en su blog o disfrutar de los videos relacionados.”
El punto de encuentro será http://grafic.ning.com, para ello tan sólo es necesario realizar un sencillo registro como usuario de la red, y estará también presente en Facebook, Tuenti y Twitter.
La iniciativa parte del interés por alcanzar a los grupos de edad más jóvenes así como de promover un modelo de exposición que trascienda la barrera física de la sala de exposiciones y supere el modo contemplativo de acercarse al arte, promoviendo la participación y la generación de opinión.

HAZTE MIEMBRO DE GRAFIC EN: http://grafic.ning.com

GRAFIC - COLECCIÓN DKV (09.06.10 >09.07.10)

SALA D’EXPOSICIONS MUNICIPAL D’ALGEMESI - CASINO LIBERAL C/ Muntanya, 24 · 46680 Algemesí · exposicions@algemesi.net

Nuevo sitio web jarr.es: viaje virtual por una trayectoria

Alejandro Villar — Wed, 23 Jun 2010 06:49:58 +0000

De las diversas formas de entender el arte, JARR apuesta por redefinir un nuevo realismo, voraz y mágico, en tanto que explora la realidad con una mirada analítica-crítica para construir un mundo paralelo a partir de los recursos que la propia Historia del Arte ha puesto a su disposición como artífice-demiurgo.

Su especial misión es ser testimonio de su tiempo aunque a veces se torne profeta de los vicios y virtudes del hombre contemporáneo a través de poemas visuales que conjugan diversos lenguajes del arte; pintura, escultura y objeto vertebran un discurso que amplía sus ramas a la fotografía, el collage, las artes escénicas y de ahí a la construcción de un espacio que abraza al espectador hasta convertirlo en uno de los antihéroes que habitan en sus sabias narraciones.

Los dioses de su universo barroco, Duchamp y Rauschenberg, combaten con Warhol por dominar el alma de este artista, que mantiene sin embargo su identidad a salvo de todo mimetismo, a base de crear desde la sinceridad más profunda. Eso convierte cada fase de su trayectoria en el capítulo de un libro biográfico, fragmento de la crónica de una realidad que podemos ir construyendo en el viaje virtual por su obra a través de su nuevo sitio web www.jarr.es.

Este espacio, pensado para la participación interactiva de la red 2.o, permite recorrer la trayectoria de este artista desde sus inicios hasta los proyectos recientes realizados junto a Jesús Azogue y el Grupo Centrifugarte en Bruselas y seguidos por whatsonart.com.

Calo Carratalá abre sus Cuadernos de Viaje

Alejandro Villar — Tue, 01 Jun 2010 20:52:20 +0000

La Galería de El Corte Inglés de Nuevo Centro acoge a partir del 2 de Junio la exposición CUADERNO DE VIAJE del pintor Calo Carratalá que presenta algunos de los trabajos realizados en los últimos tres años a partir de sus expediciones a la Selva Amazonas de El Perú y Ecuador. En ellos muestra la herencia de la tradición pleanirista de los pintores realistas del siglo XIX pero con una actitud objetiva y física próxima, totalmente contemporánea, que lo sitúa próximo a los fotógrafos Axel Hütte o Nabu Asada.
Los palafitos y otras construcciones populares de la selva, así como los parajes del Río Itaya y sus gentes son los protagonistas de estos cuadros que asumen el principio de la pintura rápida y la fuerza plástica del apunte, siguiendo el magisterio de la mejor pintura paisajística.
Pero a su vez, un nuevo concepto de Naturaleza, gravita en su manera de entender el paisaje lejos de todo costumbrismo y apostando por la contundencia visual del color y el gesto, con una supremacía del verde en la configuración de la frondosa vegetación.
Otro aspecto crucial de la exposición y de la propia identidad creativa del pintor es el dibujo, donde Calo Carratalá se muestra libre y con una fuerza inmediata. Los trazos rápidos de su lápiz dan como resultado imágenes contundentes y modernas, entre la expresión realista y la sensualidad oriental.
La muestra ha sido comisariada por Alejandro Villar y el Grupo Centrifugarte y además presenta un trabajo audiovisual editado por María Villar en el que han participado los fotógrafos Diego Richarte, Charlie Peel, Santiago Relanzón, Vicente Sanchís.

GALERIA DE EL CORTE INGLÉS · NUEVO CENTRO · VALENCIA

Fuente: www.centrifugarte.com

Demasiado mundo de Marina Núñez en el Centre del Carme

Alejandro Villar — Tue, 01 Jun 2010 20:37:18 +0000

Marina Núñez presenta en el Centre del Carme su particular visión del mundo: un mundo en constante movimiento donde el ser humano convive y se mezcla con la arquitectura del pasado y del presente.
A través de 9 videoproyecciones instaladas en las capillas de la Sala Ferreres la artista muestra un mundo distópico que transcurre más allá del refugio de la nave central y en los que muestra las señas de identidad de creación visual y metáforas sobre el espacio y el tiempo.
En los vídeos se pueden ver unas puertas cerradas que se van abriendo para mostrar el exterior del convento. Durante un minuto el espectador se traslada a un mundo ficticio que podría ser el futuro o incluso algo imposible. Las puertas se cierran tras un fuerte golpe. El espectador se despierta y vuelve a la realidad.
Según explica la comisaria, Alicia Ventura, “fuera del convento, el mundo está en ruinas, arquitecturas del pasado se mezclan con las del presente. Ciudades con rascacielos, edificios industriales junto a vestigios medievales y clásicos. Paisajes desolados, ruinas devastadas, restos de edificios entre los que aparecen despojos humanos, quimeras, que componen escenas enigmáticas”.
Poco a poco los vídeos van mostrando el nacimiento de una nueva vida. El recorrido por las diferentes instalaciones está acompañado por una música figurativa y violenta que provoca la inquietud y la necesidad de seguir descubriendo.
Finalmente las dos últimas salas muestran unas mujeres de cuerpos muy recortados pero que, provistas de movimiento, llevan sobre sí el peso de un nuevo nacimiento. A ellas se les atribuye al mismo tiempo la devastación, el desastre que es el germen de un renacer y por tanto la creación de un nuevo paisaje.
Al igual que sucedió con el movimiento romántico, la artista encuentra en la literatura de terror un medio de inspiración y desarrollo de las cuestiones que la inquietan: la lucha contra la muerte, la libertad de mente, el miedo a lo desconocido o las relaciones entre ciencia y ética Su obra nos permite ahondar en campos muy cercanos, pero a la vez intangibles y siempre desde una doble vertiente: la muerte y la vida, morir y nacer.
El espacio del Carmen de Valencia es el más apropiado para realizar estos juegos poéticos: un antiguo convento, de perfiles renacentistas que se potencia abriendo nueva visión, que rescata el alma del edificio que, tras sufrir diversas transformaciones a lo largo de los años conserva huellas tanto visibles como invisibles.

CENTRE DEL CARMEN. C/ MUSEO, 3 , VALENCIA - CONSORCIO DE MUSEOS

Fuente: www.comunica.gva.es

Dos recorridos por la colección del Reina Sofía

Alejandro Villar — Thu, 27 May 2010 15:54:26 +0000

A través de Dos lecturas de la colección, los artistas Rosa Barba y Juan Luis Moraza, han realizado un exhaustivo estudio de los fondos del Museo Reina Sofía (cerca de 18.000 obras) para posteriormente hacer una selección, dando así sendas visiones y propuestas de colección. Algunas de las obras escogidas nunca antes habían salido de los almacenes del Museo. Hay objetos, documentos, esculturas, pinturas, reproducciones,… fechados desde finales del siglo XIX hasta hoy.

Juan Luis Moraza. “El retorno de lo imaginario. Realismos entre XIX y XXI”
La propuesta de Juan Luis Moraza (Vitoria, 1960) pretende reconocer continuidades en el arte del presente, donde la historiografía ha instituido discontinuidades; reconocer singularidad y transversalidad, allá donde se presupone continuidad estilística. Según Moraza “toda colección es incompleta, pues en su diversidad no puede dar cuenta del infinito cosmos de obras y experiencias que componen la historia del arte. Cada obra nos hace llegar su
intensidad y su enigma desde el instante en que fue creada…; recíprocamente, los relatos históricos nos constituyen, organizan nuestra sensibilidad, nuestra imaginación, nuestro sentido de la realidad”.
En términos de representación, la muestra se articula horizontalmente en tres ámbitos en función de tres tipos de realismos. En primer lugar, el que Moraza denomina realismo icónico (sensorial y emocional); en segundo lugar, el realismo simbólico (estructural y conceptual) y por último, el realismo indicial (material y contextual)

Entre los artistas seleccionados cabe citar entre otros a Blay i Fábregas, Jan Fabre, Julio González, Kosuth, Melchers, Morandi, Narkevicius, Óscar Domínguez, Santiago Rusiñol, Eva Lootz, Chuck Close, Julio González, David Hockney, Darío Urzay, Christo, Roy Lichtenstein, Eduardo Chillida o Pablo Serrano.
Rosa Barba. “Una conferencia comisariada”
A través de un conjunto representativo de artistas de los siglos XX y XXI, Rosa Barba (Sicilia, Italia, 1972) se pregunta y debate las cuestiones artísticas que se consideran más importantes en 2010. A modo de símil, Barba invita a participar a través de sus obras a diferentes artistas de la colección, en una conferencia sobre la conciencia colectiva en el contexto de un archivo. “He invitado a estos artistas a participar. Muchos de ellos no son contemporáneos; algunos acaban de llegar al Museo Reina Sofía, otros han pasado aquí gran parte de su existencia; el casi es que ahora actúan juntos sobre un mismo escenario”, comenta Barba.

¿Qué es lo esencial en una obra de arte?, se pregunta Rosa Barba a través de la obra de Mira Schendel, JoelleTuerlinckx, Louise Bourgeois, Cindy Sherman, Marcel Duchamp, Pablo Picasso, Rebecca Horn, Nam June Paik, Antoni Muntadas, Tacita Dean, Cristina Iglesias, Hans Arp, Francis Alys, María Blanchard, Joan Jonas, o Gordon Matta clark.

MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA · Edificio Sabatini 3 planta. Madrid · hasta el 30 de agosto www.museoreinasofia.es

La eclosión del modernismo catalán en el IVAM

Alejandro Villar — Thu, 27 May 2010 14:47:32 +0000

De Gaudí a Picasso centra la mirada sobre el arte catalán, prestando especial atención a la obra de juventud de Picasso y Julio González, artistas que se formaron durante el Modernismo y llegaron a ocupar un lugar destacado en la historia de la pintura y la escultura del siglo XX. Gaudí, Julio González y Joan González, Casas y Rusiñol y los pintores de la vida moderna se superponen en este itinerario en el que también se analiza el Simbolismo en Cataluña, la renovación del paisaje de Mir y colorismo vanguardista de Anglada Camarasa; así como Nonell y el miserabilismo que enlaza con la etapa azul de Picasso y la comunidad catalana en París. Finalmente, este recorrido histórico culmina con la inflexión clasicista y el final del Modernismo.
Las 125 obras proceden de diversos museos y coleccionistas particulares, como el MNAC, Museo Picasso, Museo de Monserrat, Real Càtedra Gaudí de la UPC; Fundació Caixa Catalunya; Museo Reina Sofía,Colección Thyssen-Bornemisza, El Prado, y el IVAM, entre otros.
El modernismo catalán fue un episodio intenso, que dejó una marca profunda en la memoria colectiva y quedó registrado en todos los relatos de la historia cultural española y catalana de la era contemporánea, sin duda una de las azones encuentra en su asociación con el nombre de dos creadores de fama universal, Gaudí y Picasso.
La importancia de la arquitectura y de las artes decorativas para la imagen del modernismo es una consecuencia natural del carácter de las transformaciones económicas y sociales de la época en que se produjo. El desarrollo urbano de Barcelona tuvo un peso decisivo en la génesis del movimiento, condicionó su marco sociocultural y aportó muchos de sus contenidos. La sociedad catalana, que se industrializó en la segunda mitad del siglo XIX, sobre todo en la época de la Restauración, fue una condición y un factor fundamental de ese proceso por el papel creciente de la ciudad como centro nacional e internacional de comercio y comunicaciones, y por la atracción que la ciudad ejercía sobre una mano de obra, que afluía a ella desde el resto de España y sin la cual el crecimiento industrial no hubiera sido posible
Con la segunda generación, se aborda en la exposición la influencia de la corriente espiritualista en el desarrollo del Modernismo. Asociada en parte a la actividad del Cercle Artístic Sant Lluc, al que perteneció Gaudí, esta tendencia renegó del progresismo materialista y el positivismo que inspiro los inicios de la Belle Epoque y empleo los recursos del simbolismo, que se extendía desde el norte de Europa, para forjar la imagen más distintiva del Modernismo.
La tercera y última etapa del modernismo estuvo protagonizada por artistas jóvenes (Mir, Anglada, González, Sunyer, Nonell, Picasso…), una generación que maduró, avanzado el siglo XX, adoptando unas posiciones en las que no se aprecia ya ningún rastro del entusiasmo decimonónico por la vida moderna que había marcado los inicios del movimiento modernista. El modernismo podría abordarse como la expresión de una crisis social que marcó la vida social, no sólo europea, sino también, y de modo particular y con rasgos diferenciadores, española y catalana.
El entusiasmo modernista se disipó rápidamente en Barcelona a lo largo de la primera década del siglo XX. Este declive preside la trayectoria de los artistas de la segunda generación modernista y marca sus eventuales y futuras aportaciones a las vanguardias del siglo XX. La gran figura emergente de esos años es sin duda Picasso. En torno a él se congregan otros jóvenes artistas como Hugué, Canals, Sunyer o los hermanos Joan y Julio González, residentes todos ellos en Paris, a los que en los medios artísticos de la capital francesa se conoce como “la bande catalane”.

El último gran pintor modernista fue Nonell. Compañero de generación de Picasso y Julio González, su obra representa la manifestación mas clara del miserabilismo, con un lenguaje sintético que se despliega en paralelo con el primer expresionismo europeo.
Esta temática miserabilista se extiende entre otros artistas y tiene una importancia fundamental para la época azul que contribuiría a inscribir a Picasso en las vanguardias
La finalizar la primera década del siglo XX surgiría un cambio profundo de sensibilidad, que se orientaba hacia el clasicismo y constituyó una ruptura clara con el Modernismo. Este giro supondrá la substitución del Modernismo por el Noucentisme como tendencia dominante en la cultura catalana durante los primeros años de la segunda década del siglo XX.

fuente: nota prensa IVAM (www.ivam.es)

Comisarios: TOMÁS LLORENS y BOYE LLORENS
hasta el 27 de Junio de 2010

El artista Miguel Soler exhibe por partida doble sus instalaciones en Granada y Carrara.

Alejandro Villar — Thu, 27 May 2010 12:33:39 +0000

Las instalaciones de Miguel Soler (Sevilla, 1975) pueden visitarse en este momento en dos ciudades tan emblemáticas como diversas de la cultura latina, como son Granada y Carrara (Italia), en las que su obra, crítica e irónica, adquiere una peculiar identidad en el contexto del arte contemporáneo, entendido como expresión visual.

Amante de cualquier formato en el que el arte pueda manifestarse utilizando los medios propios de la era de la comunicación, Miguel Soler apuesta por darle un giro de tuerca a la tecnología y hacer de la imagen algo íntimo y suntuario. Las instalaciones audiovisuales de la muestra “CUI PREDEST? O trattino imposto” que pueden verse en la BOOM BOOM Art gallery de Carrara hasta el próximo 4 de junio, hacen de la huella dactilar el tema icónico y metafórico que se repite en el espacio y en el discurso con el que pretende reflexionar sobre el papel del poder, la comunicación y el yo. Y todo en ello, en pleno siglo XXI donde proliferan las redes sociales y las webs en Internet que magnifican y multiplicitan el proceso comunicativo emisor-mensaje-receptor.

Por otra parte, la exposición “5W & 1H” que desde el 20 de mayo puede visitarse en la galería Plano B DE Granada, Miguel Soler reflexiona sobre la ética en los medios de comunicación planteándose de forma crítica la esencia de periodismo en la actualidad. Las 5 W hacen referencia a las 5 Q (en castellano), las cinco cuestiones preliminares que toda investigación debe plantearse desde el compromiso con la verdad y la objetividad; mientras que la 1 H es el How, el cómo: el discurso que cada medio desarrolla en función del planteamiento anterior y que está sujeto a la interpretación. De este modo, el artista plantea sin manipulaciones, a través de imágenes, fotografías y vídeos extraídos de los noticiarios de las cinco cadenas fundamentales de España, la consciente filiación política de cada medio, en connivencia con una sociedad que tolera la desvirtuación de la verdad informativa.

De nuevo, la comunicación es el tema fundamental de la exposición, pero esta vez se plantea de manera explícita la integridad del periodismo y su incidencia en las corrientes de opinión de la sociedad contemporánea. Por lo tanto, la muestra puede interpretarse como una verdadera investigación de campo sobre la información en la era de la comunicación y como demuestran sus dos instalaciones: “True box” (animación en 3D que convierte en infinito el giro poliédrico de sus caras) y “Babel” (20 pantallas que emiten constantemente las cabeceras de multitud de informativos internacionales que sacuden la realidad con las diversas versiones de un mismo hecho).

www.miguelsoler.com

CUI PRODEST? o trattino imposto”. BOOM BOOM Art gallery. Via Del Mercato, 5b. Carrara. Italia —- 04.05.10 > 04.06.10

“5W & 1H” Galería Plano B Almona del Campillo, 3, Entreplanta Granada [España] —– 20.05.10 > 15.06.10

La CAM presenta la exposición “Willy Ramos: Un mundo luminoso” en el Museo de la Ciudad de Valencia

Alejandro Villar — Wed, 26 May 2010 16:24:31 +0000

Vicente Botella, director territorial de Caja Mediterráneo y Maria Irene Beneyto, concejala de Acción Cultural del Ayuntamiento han presentado esta mañana en el Museo de la Ciudad de Valencia la muestra más completa del artista Willy Ramos, también presente junto al comisario, Juan Manuel Bonet. Una muestra que abarca la larga trayectoria del artista, convirtiéndose en su primera gran retrospectiva en España. CAM tiene previsto llevar esta muestra próximamente a Palma de Mallorca, Madrid, Alicante y Murcia y ha prolongado su estancia en Valencia, hasta el 12 de julio, según se ha anunciado hoy.

Alrededor de 50 obras componen la propuesta del pintor colombiano nacido en 1954 y afincado desde joven en Valencia, en cuya Escuela de Bellas Artes de San Carlos se formó. Desde comienzos de la década de los 80 su figura está presente en nuestros debates artísticos.

Con piezas que van desde el año 1979 hasta el 2009, la exposición propone un recorrido por la obra pictórica del artista Willy Ramos, sustancialmente expresionista, que empezó su carrera en clave abstracta y gestual. Sin embargo dejó tempranamente atrás ese tipo de planteamientos, en los que coincidió con Juan Uslé y otros de sus condiscípulos, para hacerse fuerte en una poética personal que hunde sus raíces en el tiempo auroral del arte moderno y, más concretamente, en la alegría de vivir de Henri Matisse, Albert Marquet, Raoul Dufy o Francisco Bores: algunos de los dioses tutelares de este pintor muy pintor y muy consciente de la tradición en la que se inscribe.

El bodegón –a menudo frutal-, el florero, el rostro humano, el cuerpo femenino, su Levante adoptivo, las ciudades visitadas del Viejo y del Nuevo Mundo: estos son algunos de los motivos que Willy Ramos asedia una y otra vez, en una obra intensa, llena de vida, en la cual el color es el principal protagonista, un color que vehicula luz, y que lo inunda todo, un color en diálogo siempre con la línea.

Entre Valencia y su Colombia natal, donde están sus raíces, Willy Ramos, concentrado en su oficio, y ajeno a las etiquetas, se ha afianzado como una voz singular y fuera del tiempo.

La muestra incluye óleos, acuarelas y dibujos y revisa, a través de aproximadamente cincuenta piezas, algunos de los momentos fuertes de la trayectoria del pintor. Acompaña a la exposición un catálogo que será su más completa monografía publicada hasta la fecha.

Fuente: www.cam.es